BESTIARIO

Samantha nace en la ciudad de Córdoba, con formación en arquitectura de la Universidad Nacional de Córdoba y pintura. Participó de clínicas de obras grupales e individuales. Recibió diferentes premios y distinciones nacionales e internacionales. Sus obras se encuentran en colecciones particulares de Argentina, España, Ecuador, México y Estados Unidos. 

Artista visual, formada en pintura (UNC). Ha consolidado un lenguaje propio que articula tradición y contemporaneidad. Su trabajo ha sido distinguido en importantes certámenes nacionales.
En esta obra, Adamo propone una reflexión crítica sobre la condición humana en el mundo actual. Una figura híbrida y enigmática domina una escena fragmentada donde personajes esqueléticos y estructuras geométricas sugieren vulnerabilidad, vigilancia y aislamiento. La confrontación entre los cuerpos y un entorno que funciona más como trampa que como refugio alude a las tensiones de la vida contemporánea. Entre pintura y dibujo, la artista construye una imagen ambigua que interpela la percepción, la identidad y los vínculos en una realidad cada vez más deshumanizada. 

Artista visual formada en diseño en comunicación visual, encontró en el mosaico una nueva forma de expresión tras su retiro profesional. Su obra transforma materiales industriales en piezas de fuerte impronta poética y contemporánea.
Construyo mi bestiario personal, donde la fauna real se encuentra con la imaginaria, usando el mosaico como un lenguaje de píxeles volumétricos. Juego con el color, el brillo y la textura de materiales que reflejan la luz, otorgando una cualidad mística a formas que oscilan entre la mascota doméstica y la deidad ancestral. La Manada de Bichilocos es una celebración de la diversidad bajo un mismo instinto: el juego. Cada pieza es única, pero es en grupo donde revela su verdadero propósito: recordarnos que la identidad se construye con la suma de sus partes. En un mundo demasiado gris para andar solos, ellos nacen de la fragmentación para encontrar la unidad.

Fotógrafa profesional en publicidad, arquitectura y prensa (UPC) con formación también en cine y video (UNC). Hace años empezó con una práctica artística propia experimentando con dibujo, pintura, collage, danza e improvisación y grabado. Suma estas prácticas al terreno conocido del audiovisual. Participó en muestras colectivas y encuentros comunitarios. Su  exploración artística abarca la experimentación creativa en lo visual.  Explora sobre la idea de la huella, lo que quedó de un objeto en un espacio-tiempo definido. Descifra algo, visibiliza lo invisible. De ese rastro rescatado y resignificado, surge un nuevo mensaje que remite a la cosa representada, pero no representa la cosa material. Toma su huella, sugiere una representación mental a partir del rastro; de la resonancia de lo que podría ser; de lo que se va tejiendo en lo inmaterial.

Artista multimedia radicado en Córdoba desde hace más de 30 años. Diseñador gráfico publicitario de profesión, autodidacta en diferentes tecnologías, todas relacionadas con el diseño y la creación, ramas del arte, escultura, etc. También desarrolló escenarios en 3D para simuladores de vuelo. Desde hace 20 años se especializa en el diseño y la reproducción fidedigna de insectos con diferentes materiales: naturales, reciclados, plásticos, vidrios, colágenos, etc. Representación real, a escala natural. Estuvo en un sinnúmero de exposiciones, premios y ventas.

Artista y diseñador industrial, nacido en la ciudad de Córdoba cuya práctica se centra en la escultura cerámica. Inició su recorrido en el campo de la cerámica de rescate vinculada a la recreación de piezas precolombinas. Participa activamente en ferias y circuitos artísticos nacionales, donde ha recibido diversas premiaciones por su producción escultórica. Su obra desarrolla un lenguaje propio a partir de la reinterpretación de imaginarios precolombinos latinoamericanos —como Cóndor Huasi y Moche—, integrando elementos simbólicos, zoomorfos y antropomorfos en configuraciones híbridas de carácter ritual y totémico. Trabaja con la técnica ancestral Raku, explorando sus posibilidades expresivas a través del fuego, el azar y la transformación de la materia. Las superficies resultantes, craqueladas y orgánicas, refuerzan la idea de piezas que parecen atravesadas por procesos vitales más que constructivos.
Esta obra se presenta como una entidad híbrida que emerge en el cruce entre lo animal, lo espiritual y lo arcaico. Concebida como una deidad imaginaria, propone la construcción de un ser que no responde a categorías biológicas reconocibles sino a una lógica simbólica propia, cercana a los bestiarios antiguos donde lo sagrado y lo monstruoso coexisten sin jerarquías. Realizada en técnica Raku, la pieza incorpora el azar como parte constitutiva de su identidad. El fuego, el humo y el choque térmico generan una superficie viva, marcada por veladuras, craquelada y zonas de combustión que remiten a procesos orgánicos. Esta materialidad no es únicamente estética: inscribe en la obra la memoria de su transformación, como si el propio ser representado hubiese sido originado en un ritual. Cada obra es concebida y realizada íntegramente por el artista, desde la idea inicial hasta su resolución final, consolidando una producción donde lo arcaico, lo simbólico y lo contemporáneo convergen en un mismo campo de sentido.

Pietro nació en Verona (Italia) el 25 de febrero de 1976, actualmente vive en Córdoba, Argentina. Se formó en técnicas analógicas y digitales de fotografía trabajando con equipos y colaborando en arquitectura y producción de catálogos. Fundó su estudio PB y documentó procesos artísticos y exposiciones. También es docente. 
Esta obra nace del encuentro entre un objeto doméstico y un acontecimiento de visión… no se trata de un hallazgo formal sino de una epifanía: el objeto deja de ser utensilio y aparece como figura. En la base de la obra hay un negativo realizado en la adolescencia. Esa primera fotografía marca el origen de una mirada aún no del todo consciente, pero ya orientada a reconocer la emergencia de lo bello en lo cotidiano. La obra se construye así como una continuidad temporal, donde la mirada se forma y se afina. Esta obra no representa un animal, sino su transformación. El patito es un simulacro domesticado, una forma sobreviviente. A través de la técnica del transfer fotográfico, la imagen se transforma en huella y en materia. El proceso introduce pérdida, resistencia y, sobre todo, unicidad donde cada obra es irrepetible. 

Nació en 1995 en la ciudad de Córdoba donde actualmente vive y desarrolla su práctica artística. Estudió Artes Visuales en la Universidad Nacional de Córdoba. Su trabajo se centra en el dibujo y la exploración de formas orgánicas, combinando elementos del lenguaje figurativo y abstracto. A través de la repetición, el patrón y el gesto, investiga procesos de transformación, crecimiento y movimiento, construyendo imágenes que oscilan entre lo real y lo imaginado.
Su trabajo se desarrolla tanto en soportes tradicionales como en propuestas experimentales, incorporando herramientas vinculadas a la animación y el videomapping.

Fotógrafa y artista visual, nacida en Corzuela, Chaco en 1975. Con formación en producción artística de la Universidad Nacional de Córdoba. El cuerpo y sus configuraciones situado frente a diferentes problemáticas y dispuesto en diferentes espacios, territorios y contextos, es un tema de interés que desarrolla a través de la investigación de diversas materialidades y la exploración de los lenguajes artísticos como ser, fotografía y video, la plástica, el dibujo, entre otros. Participó de diversas exposiciones. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas.

Antonella nació en Villa Maria en 2004, se formó en artes visuales de la Universidad Nacional de Córdoba. Esta obra se inscribe en la serie Ecosistema en colapso, un proyecto que aborda la contaminación del fondo marino y sus consecuencias sobre las especies y los ecosistemas, poniendo el foco en la transformación y degradación de sus hábitats. En este marco, la pieza se centra en el caballito de mar pigmeo, una especie que depende de los arrecifes de coral. Estos ecosistemas,fundamentales para la biodiversidad marina y la regulación del equilibrio climático, se encuentran actualmente amenazados por el blanqueamiento provocado por el aumento de la temperatura del agua y la contaminación. En este sentido, el caballito de mar pigmeo se presenta como parte de un bestiario contemporáneo donde lo real se vuelve extraño, por la distancia creciente entre el ser humano y los ecosistemas que habita y transforma.

Majo Bré nació en Entre Ríos, en 1972. Vive y trabaja en Villa Allende, Córdoba, Argentina.
Su obra reúne un conjunto de piezas de cerámica que funcionan como una comunidad y representan seres que se relacionan entre sí. Se organizan a partir del contacto: se apoyan, se enciman, se sostienen. El vínculo se va construyendo y modificando. Algunas piezas presentan quebraduras, roturas, enmiendas, como aquello que también constituye a las relaciones interpersonales. Algunas figuras parecen absorber o alimentarse de otras, mientras que otras apenas logran mantenerse en equilibrio. Ninguna está completamente sola, pero tampoco fija en su lugar. La materialidad de la cerámica de gres acompaña esta idea: superficies que remiten a algo orgánico, a seres oníricos en transformación como si las formas no terminan de definirse del todo. ¿Animales humanoides o humanos bestializados? Todas se sitúan sobre un mismo soporte, compartiendo un espacio común. Más que objetos individuales, el conjunto propone una escena donde lo importante no es qué es cada forma sino cómo se vinculan entre sí y cómo esas relaciones las van transformando.

María Buteler nace en Córdoba en 1972. Es fotógrafa egresada de la Universidad Nacional de Córdoba y comunicadora audiovisual egresada de la Universidad Blas Pascal. Su producción se centra en la relectura de elementos naturales; utiliza la luz y la postproducción para desplazar al referente de su contexto y proponer una dimensión simbólica del entorno. Su trayectoria incluye exposiciones en instituciones públicas y privadas, a nivel local y nacional.
La serie ¡ANIMAL! surge como una pulsión; un ejercicio de arqueología personal para recuperar ecos, rastros, olores y texturas de seres que habitan mi memoria. Estas fotografías no buscan documentar. Rescatan lo natural frente al paisaje de algoritmos, hiperconectividad y pantallas que, por su propia lógica, nos distancia de lo orgánico. Desde lo narrativo, las imágenes emulan el mecanismo del recuerdo: fragmentos que emergen del negro absoluto, destellos de luz que rescatan la forma del vacío. En la potencia del galope y el quiebre del relincho, la cámara evoca lo inaprensible e intenta recuperar el ritmo de los cascos, la ondulación de la crin o la suavidad del lomo. A través de una poética del fragmento y un blanco y negro radical, la obra despoja al referente de su contexto anecdótico para concentrarse en la animalidad pura. Busca un reencuentro con esa esencia indómita, y ensaya mediante la manipulación de la imagen una forma posible de presencia.

Esta obra es un animal fabuloso que vivía en el cerro Charalqueta, actualmente conocido como Colchiquí o cerro de la tristeza. Allí vivieron los camiares o comechingones hasta la llegada de los colonizadores en el siglo 16. Aquí venían nuestros antepasados que, con ayuda de una poción que les daba el chamiquero saltaban al vacío y se fundían con el todo. En 1574 cientos de nativos saltaron desde la cima para escapar de la esclavitud de los españoles. Abajo los recibía la bestia de Colchiquí quien los guiaba a su nuevo destino. La imagen de la bestia está inspirada en el glifo azteca que representa a la muerte, miquiztli de los nombres de los días de uno de calendarios usados en Mesoamérica.

Josefina Calvo nació en Río Negro y reside actualmente en Traslasierra, Córdoba, Argentina. Es ilustradora, poeta y artista visual egresada de la Universidad Nacional de la Patagonia. Obtuvo varias distinciones, entre ellas en la industria editorial local y audiovisual. Realizó exposiciones individuales y colectivas en el país y en el exterior. Es autora integral y co-autora de libros ilustrados.
Este proyecto es una invitación a espiar en la intimidad que se crea cuando estamos inmersos en la experiencia lectora, al acercar un libro a quien recién comienza a leer. Propone un encuentro de mundos aparentemente distantes: los insectos y los libros. Los insectos, frágiles, desplegando otredad, sumidos en insondables tareas, antiquísimos en la Tierra. Los libros, frágiles, perseverantes, resistiendo las vorágines del tiempo con el ritual preciso, perfecto, el hechizo de los élitros. En este proyecto, el papel es la materia elegida para indagar en modos posibles de generar tridimensión, partiendo desde el plegado de formas simples para luego explorar sus variantes. El papel, que luego dio cuerpo al libro, fue invento de las avispas. Partiendo de la pulpa de la madera, ellas ya fabrican sus nidos de papel mucho antes de que nacieran nuestros primeros papiros

Artista plástica e interiorista egresada de la Universidad Provincial de Córdoba. Elige el bordado como técnica ancestral tendiente a sintetizar, resumir y simplificar líneas. Esta serie surge en el 2020 en la que representa animales entre fantasía y realidad. Esta tradición heredada, sumada a una formación artística, es lo que se refleja en sus obras en las que se entrelazan hilos, lanas, pinceles, mirada, tiempo y puntadas para crear estos animales en los que cada uno tiene nombre propio.
El bordado fue, más que una técnica que pasó de madres a hijas durante muchos, muchos años, una forma de encuentro en la que todas y cada una han depositado su amor, tiempo y esfuerzo generando belleza a su alrededor

Artista plástico egresado de la Universidad Provincial de Córdoba, nace en Mar del Plata en 1981 y, actualmente, reside en Mendiolaza, Córdoba. Su producción está orientada a la escultura y al dibujo en tinta. Participa regularmente en encuentros y simposios de escultores, tanto nacionales como internacionales, también en muestras individuales, colectivas, ferias y en galerías de arte. Obtuvo diferentes premios en escultura y dibujo. Obras suyas se encuentran tanto en espacios públicos como en colecciones privadas nacionales e internacionales. Los materiales en los cuales incursiona son: madera, cemento, piedra y hierro. En este último, ha concentrado su mayor producción, haciendo hincapié en la técnica de chapa batida, dominando desde pequeño formato hasta obras monumentales.

Artista autodidacta. Desde temprana edad viene trabajando y desarrollando, a partir del dibujo y la pintura, diferentes estrategias de formalización y conceptos. Ha participado en diversas muestras colectivas e individuales en distintas provincias. También obtuvo diferentes premios. Actualmente desarrolla un proceso entre pintura, dibujo y objeto bajo ciertos enunciados socio-políticos, donde la imagen toma la cualidad constructiva entre la fisicidad y sus propias fisuras.
La obra se presenta como una metonimia del conflicto contemporáneo, donde la figura de la "bestia" simboliza la deshumanización y la pulsión de muerte en el mundo actual. El acrónimo FDG (Franja de Gaza) actúa como un ancla política que transforma el marco rojo en una frontera física y simbólica: una herida abierta que delimita un territorio en disputa. Esta relación entre la mancha gestual y el cerco lineal, sugiere que la violencia estructural de la modernidad es la que engendra a estos "monstruos" de oscuridad. Así, la pintura deja de ser una representación animal para convertirse en el registro matérico de un encierro donde la forma misma denuncia la precariedad de la vida bajo el aislamiento y la vigilancia.

Nació en la ciudad de Córdoba, Argentina, en 1983. Con estudios en comunicación y artes visuales. Expuso en muestras colectivas y en concursos.
Desde el humor y la parodia, la obra que parte de la serie Dólar animal, propone una mirada crítica sobre la naturalización del sistema económico y sus efectos sobre los cuerpos, los territorios y las relaciones sociales. Al desarticular un símbolo de poder y combinarlo con elementos ligados a la producción primaria, la imagen invita a detenerse en las grietas del discurso dominante y a repensar, desde la ironía, aquello que suele presentarse como incuestionable.

Con formación en ciencias biológicas en la Universidad Nacional de Córdoba, desarrolla actividades de docencia, investigación y extensión universitaria. Estudia con artistas de Córdoba. Participó en diversas exposiciones colectivas.
Esta obra explora la dicotomía entre la protección externa y la arquitectura interna de uno de los "fósiles vivientes" más enigmáticos del océano: el Nautilus. La técnica al óleo permite capturar la transición entre la textura mate y los patrones de camuflaje del exterior de la concha, revelando un organismo que es, en sí mismo, un milagro de ingeniería de la naturaleza. Su estructura es un sistema de flotabilidad activa, donde el animal vive en la cámara mayor; el resto son compartimentos estancos que llena de gas o líquido para regular su posición en la columna de agua. Esta capacidad de "navegación" interna es la que permite al Nautilus realizar migraciones verticales desde las profundidades del abismo hacia la superficie. El corazón de la propuesta visual reside en el brillo del nácar (o madreperla) que reviste los septos internos. Artísticamente, la concha del Nautilus es el ejemplo de la espiral logarítmica que sigue su propio crecimiento armónico, manteniendo su forma inalterada durante millones de años de evolución. Esta obra invita al espectador a contemplar no solo un animal marino, sino un símbolo de equilibrio perfecto entre la materia y el vacío.

Nacida en la ciudad de Córdoba en 1969. Estudió dibujo y escultura. Sus obras escultóricas, pictóricas, fotográficas e instalaciones muestran la relación entre el ser y la naturaleza. Posee una gran trayectoria expositiva en Córdoba y otras provincias de la República Argentina.

Su enfoque es interdisciplinario comunicando a través de la imagen y la indumentaria. Su búsqueda va relacionada creativamente a poder reutilizar la materia ya existente para darle vida en otro objeto y, de esta manera, sacar el enfoque de la percepción normal para exponerlo como obra de arte. Ha expuesto en diferentes salas.

Artista autodidacta cuya práctica integra artes visuales, bordado y trabajo con materiales orgánicos, explorando relaciones entre el cuerpo, la transformación y el mundo natural. Ha ilustrado libros de poesía y participado en proyectos de emplazamiento de escultura urbana en espacios públicos. Participó además en talleres de dibujo y pintura, así como en clínicas de arte, complementando su formación de manera continua.
Este proyecto propone dirigir los ojos hacia aquello que muchas veces evitamos ver: lo incómodo, lo oculto o lo que se intenta mantener fuera del campo visible. La obra busca trasladar esos elementos a un espacio de exhibición donde, por contraste, se vuelven inevitables y obligan al espectador a detenerse y mirar. La larva aparece como protagonista del proyecto, al que denominó IN.MUNDO, el cual se plantea como un espacio de incubación donde se gestan y se exhiben posibilidades de vida que permiten levantar el velo de aquello que debería permanecer oculto. Las larvas se presentan como figuras idénticas que se desplazan en multiplicidad: despersonalizadas, sin rostro y simétricas construidas a partir de cáscaras de mandarina. Este material orgánico, asociado al descarte cotidiano, funciona como una piel. Su textura porosa y su olor persistente introducen una dimensión sensorial que remite tanto a lo doméstico como a los procesos de consumo y descomposición, planteando una pretensión entre lo familiar y lo inquietante. Estas figuras se sitúan en un territorio ambiguo entre lo animal, lo residual y lo vital, sugiriendo cuerpos en mutación. La propuesta invita a reflexionar sobre las relaciones entre los cuerpos, el entorno y las formas de habitar el mundo.

Artista visual, nacida en la ciudad de Córdoba que explora, a través del dibujo, imágenes vinculadas a la fragilidad humana y el deseo de trascendencia, la infancia y las construcciones simbólicas que emergen de los archivos fotográficos y de universos imaginarios. Ha participado en exposiciones y ferias en Argentina y en el exterior. Su obra ha sido seleccionada en varios Salones Nacionales. Su formación en las artes es autodidacta, con estudios en psicología en la Universidad Nacional de Córdoba.
En esta pieza, un ser con cuerpo de niño y cabeza de ave es una repetición que se desdibuja, mientras una partitura azul atraviesa horizontalmente los cuerpos. Entre el pájaro y las ausencias hay una línea por donde camina la poesía. La obra aborda la experiencia de la ausencia, la pérdida y la memoria desde una vivencia personal de duelo, hasta evocar resonancias colectivas e históricas; un espacio donde pueden inscribirse distintas remembranzas. Sobre el blanco y negro, lenguaje esencial en la obra, el nostálgico azul sostiene la ausencia permitiendo que permanezca una respiración, una poesía.

Nacida en la ciudad de Córdoba, Argentina en 1987, es artista visual y de grabado de la Universidad Nacional de Córdoba, con especialización en maquillaje y caracterización teatral en el Teatro Colón, Buenos Aires. Participó en exposiciones colectivas e individuales, así también como en clínica de análisis de obra. En la última década, su producción ha evolucionado hacia un realismo mágico de carácter ritual. Se representa como un santuario de conexión profunda con la madre tierra. A través de los trazos, los animales (perros, pájaros y delfines) emergen no como figuras ornamentales, sino como guías espirituales. Un universo donde el vínculo humano animal se manifiesta como un espejo de nuestra propia esencia, invitando al espectador a una reconexión vital y sagrada con lo natural.
En esta oportunidad, trabajó con el retrato de una pareja de lebrel. Una raza que desconoce cualquier forma de sumisión, solo es afectuoso con aquellos que él acepta. Tal como un felino, vive su vida paralelamente a la de su dueño. Sus caminos pueden cruzarse y, entonces, podrá manifestar un gran afecto. Por lo demás, siempre será él quien decida si se producen o no esos encuentros, pues nunca abdica de su independencia ni de su reserva.

Artista textil de la ciudad de Córdoba, Argentina. Sus obras forman parte de destacados circuitos expositivos de carácter federal e internacional en instituciones públicas y privadas, como así también de galerías.

Nació en Buenos Aires en 1976 y reside en Córdoba. Artista visual y curador. Su práctica curatorial surge de su propia experiencia como artista, enfocándose en la relación entre obra, espacio y espectador. Ha realizado intervenciones urbanas en Argentina, Brasil y Chile, exponiendo en espacios nacionales de referencia. Obtuvo varias distinciones. Su obra integra colecciones públicas y privadas.

Nacido en la ciudad de Córdoba en 1987 con formación en diseño gráfico en la Universidad Provincial de Córdoba y pintura. Realizó colaboraciones en revistas como ilustrador. Su lema en sus realizaciones es “nunca perder la ternura”, volver a las emociones y sentimientos primitivos que encuentra en la chatarra, lo viejo, lo cansado lo que dejó pasar el tiempo.
Esta obra representa el mamífero con más masa que existió en la tierra, es inmenso, gigante pero inofensivo, por eso el contraste entre vulnerabilidad y tamaño es igual al amor de mamá…el miedo más grande que uno tiene de chico es que te falte tu mamá... yo tengo suerte, ella está conmigo; y en esos actos de colgar la ropa, sabiendo que es tuyo y que es de tu hermano con la mirada pensante es el regalo más inmenso del mundo…

Nacido en Córdoba en 2005, con formación en artes visuales. Su producción artística se centra principalmente en el grabado, trabajando con técnicas como la litografía y la xilografía, además de incorporar la pintura como parte de su proceso constante de experimentación técnica. A través de la práctica del grabado, busca perfeccionar su lenguaje visual y explorar diferentes enfoques y métodos de producción.
La obra no solo presenta el retrato de un animal, sino también una reflexión sobre la práctica de la pintura, la obsesión temática y la dedicación del artista frente a aquello que decide convertir en su musa. Esta idea se complementa con el comportamiento solitario del animal y su capacidad de permanecer inmóvil durante largos períodos mientras observa su entorno. Estas cualidades refuerzan su presencia como motivo pictórico. La fijación se manifiesta también en la relación entre el artista y el animal. El Picozapato deja de ser un simple objeto de observación para convertirse en un punto de atracción constante. La obra introduce la idea de una obsesión, entendida como una necesidad interna del propio artista dentro de la escena. La reiteración del animal no aparece como un recurso casual, sino como el resultado de una atracción persistente que protagoniza toda la práctica pictórica.

Nacida en la ciudad de Córdoba, su práctica artística se orienta hacia el dibujo, el stop motion y la pintura. Su interés recae en la experimentación entre distintas disciplinas como el arte visual, el diseño gráfico, la animación, la costura, entre otras. Trabaja con ideas en torno a la mujer, el cuerpo, el movimiento y el juego. El eje transversal de esta producción es el movimiento, la importancia de habitarlo y de incentivarlo, de ser curioso frente al mundo que nos rodea y encontrar diversión en la cotidianeidad y en la imaginación en un mundo hiperconectado y caótico.

Artista visual, ilustrador e historietista, con formación en Urbanismo en la Universidad Nacional de Córdoba. Desarrolla su práctica en torno a la ciudad, el paisaje urbano y la narrativa gráfica. Combina producción artística, proyectos editoriales y actividades educativas. Desarrolla contenidos artísticos y pedagógicos.

Artista y diseñador gráfico formado en la Universidad Provincial de Córdoba, nació en Córdoba en 2002. Participó del campo artístico con muestras y performances en museos y galerías. Su obra plantea escenarios donde la performatividad es un salto crucial al sentido de pertenencia, materializa respuestas asociativas con exceptuados y exceptuadas de su territorio. Pone en primer plano las particularidades de lo ordinario y ornamenta, destroza, reformula y reclama. Insiste en revertir el descarte y el avance de la desterritorialización.
Esta obra propone un escenario con perspectiva de biología especulativa donde la vida emerge de los restos persistentes de la cultura material contemporánea, imaginando futuros posibles donde los desechos textiles se convierten en el sustrato de nuevas formas de vida. En este sentido, las piezas no representan criaturas fantásticas en un sentido tradicional, sino entidades verosímiles dentro de un ecosistema alterado, donde lo sintético y lo orgánico se entrelazan de manera irreversible. A partir de un tapado de piel de coipo reconfigurado y reinterpretado, las piezas ensamblan una escena de filiación incierta y mutante: una figura Xaterna y sus crías, cuerpos blandos y larvarios que oscilan entre lo animal, lo residual, fragmentos y facciones antropomórficas erosionadas. De sus cuerpos se desprenden colas de látex negro, brillantes y viscosas que remiten tanto a extremidades como a excrecencias o prolongaciones sintéticas. La figura mayor, más densa, concentra una lógica de abrigo y gestación, mientras que una serpiente de gran escala atraviesa la escena incorporando una de las crías: el acto digestivo queda suspendido, sin resolución.
Estas “fábulas” no narran un origen sino un después. Ofrecen advertencias, más no moraleja. Se repiten como sistemas digestivos abiertos donde todo sigue ocurriendo, escenas abiertas de supervivencia, adaptación y violencia latente. En un mundo donde los ciclos naturales han sido profundamente intervenidos, las bestias del futuro no nacen de la tierra, se recomponen de lo que ella no pudo digerir. En este ecosistema, lo zoológico es producto del ensamble. La serie imagina formas de vida posibles en un futuro donde los materiales descartados se integran a procesos biológicos alterados

Nacida en Oncativo, provincia de Córdoba en 1968, con formación en artes plásticas. Ha participado de exposiciones individuales como también en ferias de arte provinciales y nacionales. Formó parte de Salones recibiendo algunas distinciones. Han adquirido sus obras colecciones públicas de la provincia.
La obra seleccionada pertenece y forma parte de una instalación mayor de objetos y dibujos cuyo título es “El infierno es una conversación amable entre mi sombra y la tuya “. Bajo este título, a modo de frase, se presentan en el espacio estos objetos escultóricos que representan guardianes de un infierno imaginario, desprendidos de una constelación de personajes mitológicos que remiten a múltiples tradiciones.

Se formó en los talleres de reconocidos artistas. Participó en diferentes eventos y en proyectos solidarios. Su práctica explora la línea, la mancha, los planos, las texturas y el color, utilizando materiales vinculados conceptualmente con la obra. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en diversas instituciones y galerías.
Su obra está atravesada por la naturaleza, la conservación y las experiencias personales, configurando un lenguaje plástico en constante búsqueda, indagando en la relación entre percepción, memoria y paisaje.

Formación en artes visuales en la Universidad Nacional de Córdoba y en plásticas en la Universidad Complutense de Madrid. Nació en Buenos Aires y vive actualmente en Córdoba. Publicó cuentos y poemas. Estudió en los talleres de reconocidos artistas. Incursionó aún más en la ilustración y la pintura con experiencias en la animación y el cómic. Publicó como ilustrador y pintor. Participó en diversas muestras nacionales e internacionales.

Artista transdisciplinaria y educadora nacida en Córdoba, Argentina. Su práctica se despliega en territorios diversos explorando las poéticas de lo vivo, a través de materialidades orgánicas y relaciones afectivas entre cuerpos, ecosistemas y comunidades. Investiga modos de observar, saber y sentir-pensar el mundo desde una ecología sensible, donde organismos, materias y saberes se co-implican como entidades en interacción. Su formación incluye producción artística contemporánea (Universidad Nacional de Córdoba), Humanidades Ambientales (Universidad Nacional Tres de Febrero) y escultura (Universidad Provincial de Córdoba).
Su obra surge en un territorio donde materia, tiempo y ficción se entrelazan para dar lugar a una forma de vida posible. La obra está realizada en biocuero obtenido a partir del SCOBY de la kombucha: una colonia simbiótica de bacterias y levaduras que crece lentamente en condiciones específicas. Este material implica un proceso de cultivo, una espera activa, una temporalidad extendida que desafía la inmediatez productiva.
Desde la perspectiva del arte contemporáneo, la obra se sitúa en un campo de prácticas que habilitan imaginar otras formas de relación entre los seres vivos, modos de producción y maneras de habitar el mundo. Habilita un espacio sensible donde lo material, lo vital y lo imaginado se entrelazan, sugiriendo posibles formas de coexistencia basadas en el tiempo, el cuidado y la transformación.

Nació en Alta Gracia, Córdoba, Argentina en 1999. Con formación en artes visuales. Participa activamente en exposiciones colectivas e individuales y programas de formación. Se formó en dibujo con reconocidos artistas y participó de clínicas y encuentros de diferentes programas. Actualmente, vive y trabaja en Agua de Oro, Córdoba.
Sus obras trabajan, por un lado, procedimientos entre lo plástico y la ilustración, en un primer plano personajes de una fisonomía cercana a la humana o animal, representados en la transformación fantástica, considerados como arquetipos y entidades elementales del relato o la escena presentada. Forman en conjunto, una mitología y un folclore personal. Por el otro, buscan ocupar el espacio con figuras allegadas a las construcciones simbólicas, pertenecientes a cosmovisiones preexistentes del mundo o imaginadas en dibujos previos. A partir del ensamble de materiales modelados, elementos orgánicos y objetos ordinarios que se ven cargados de animismo. El espacio de trabajo, sostiene, debe ser literal y metafóricamente el de una gran aventura.

Con formación en arte, ilustradora y docente. Su obra se desarrolla en la intersección entre la imagen, la narrativa y lo simbólico, con un fuerte interés por los géneros del terror y lo fantástico. Trabaja en proyectos personales de autopublicación y gráfica, también en colaboraciones con editoriales y proyectos colectivos. Ha participado en exposiciones colectivas. Además, posee trayectoria como pintora muralista en otros proyectos. Desde la docencia, coordina talleres de dibujo e ilustración y docente.
Este proyecto propone analizar la construcción cultural de la monstruosidad femenina a partir de su relación con la figura mitológica griega de la Arpía. A través de este vínculo se busca explorar cómo distintos discursos simbólicos, especialmente en la tradición medieval, contribuyeron a representar lo femenino como una forma de alteridad peligrosa, asociada a lo monstruoso, lo híbrido y lo moralmente desviado. Los bestiarios medievales no funcionaban como catálogos de animales, sino como sistemas simbólicos donde cada criatura poseía un significado moral o alegórico, integrando un marco didáctico que explicaba el orden del mundo desde una perspectiva religiosa y cultural. En este contexto se inscribe la figura de la Arpía que originalmente aparecía como un espíritu alado asociado a la velocidad y al castigo divino. Con el paso del tiempo, su representación se transformó en la de un ser grotesco con cuerpo de ave rapaz y rostro femenino. Esta transformación es simbólica, ya que contribuyó a reforzar ciertos imaginarios culturales que vinculan lo femenino con el exceso, la corrupción o el peligro moral.

Su práctica pictórica se centra en la pintura al óleo, desde la cual revisita el barroco y el retrato cortesano para ponerlos en diálogo con problemáticas del presente. Su obra retoma la minuciosidad técnica, la teatralidad y la solemnidad de la tradición clásica, pero las desplaza hacia un territorio de ironía, extrañamiento y crítica sutil. En éstas series, la artista construye escenas protagonizadas por figuras animales coronadas donde el imaginario del poder, la nobleza y la representación social aparece tensionado por lo grotesco. Esa operación produce un cruce entre belleza formal y sátira visual, en el que conviven el realismo académico, la cita histórica y una sensibilidad cercana al surrealismo pop. A través de este lenguaje, su obra indaga en las apariencias, la identidad, la vanidad y las formas simbólicas de jerarquización, construyendo un universo pictórico propio donde lo animal funciona como espejo crítico de lo humano.

Nació en La Falda, Córdoba en 1973, con formación en diseño gráfico y artes plásticas en la Universidad Nacional de Córdoba. Realizó diferentes talleres de dibujo, grabado y xilografía. Participó de salones y exposiciones nacionales e internacionales y sus obras han sido seleccionadas en concursos y en Bienales.
La obra representa una criatura con características fisonómicas ambiguas entre lo humano y animal, la cual se encuentra como figura central en la obra. Su actitud la muestra en pánico, a la defensiva, expectante, aturdida. Dentro de una atmósfera de tonos rojizos y negros ceniza, posiblemente alerta al ataque de algún depredador.

Autodidacta, se formó en diversas técnicas en artes visuales y orfebrería.
La obra consta de tres pinturas, de tres viudas pertenecientes a diversas clases sociales y momentos históricos que muestran cómo el dolor y la muerte llega. También están representadas las etapas del doliente describiendo el proceso emocional ante la pérdida.

Nacida y establecida en la ciudad de Córdoba, Argentina. Trabaja de manera autodidacta desde su adolescencia, con conocimientos en artes visuales. Su obra es representada entre diversas técnicas y pequeño formato que van desde el dibujo, la pintura, el collage manual y digital, la cerámica y el bordado. Su objetivo es invitar al espectador a sumergirse en los detalles que esconde la naturaleza y muchas veces pasan desapercibidos.
Su proyecto presenta a un ser híbrido que fusiona elementos de la naturaleza, creando una entidad que desafía las fronteras entre lo natural y lo sobrenatural. Explora la dualidad y la transformación, sugiere una reflexión sobre la mortalidad y la trascendencia. La obra invita al espectador a cuestionar las limitaciones de la realidad y a imaginar un mundo donde lo imposible se vuelve tangible, reflejando el espíritu de los bestiarios como recopilaciones de lo extraño y lo maravilloso.

Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1987. Actualmente vive y trabaja en Córdoba. En esta ciudad también tuvo su formación en artes visuales y dibujo. Participó en clínicas de análisis de obra, colectivo de arte y residencias de producción. Obtuvo premios en pequeño formato. Realizó muestras individuales y numerosas exposiciones colectivas. Su obra forma parte de colecciones particulares nacionales y en el exterior.
Mirada desencajada y sonrisa triunfal congeladas en la piedra cincelada hace cientos de años. Lo mantiene despierto su propósito protector de este lugar sagrado, tal como dicta la tradición china a los leones líticos. Observa que un par de orquídeas se han acercado flotando, y su perfume le agrada. Estas flores son una novedad para el guardián, y no es para menos: las ha traído la brisa desde una jungla lejanísima, atravesando un océano casi eterno. Verlas a tan corta distancia, aunque más no sea por un par de segundos antes de que sigan su camino errático, es una fortuna inmensa y quizás irrepetible. Es un instante que no olvidaré jamás.

Nace en 1976, en la ciudad de Unquillo. Profesor y perito de artes plásticas con formación en pintura. Realizó exposiciones en diferentes museos y salas de arte. En la actualidad dirige el Espacio Cultural CreArte Unquillo, donde plasma su obra. Realiza muestras y eventos de diversas manifestaciones artísticas del ámbito provincial y dicta talleres de dibujo, pintura y grabado.
Ver a Tizón es percibir un animal doméstico, dependiente, dócil, adaptado para vivir en entornos humanos, castrado, predecible, bello ...Observar a Tizón es encontrarse con lo que no se ve, la búsqueda más visceral del animal salvaje que aún lo habita, autosuficiente, rebelde, incapaz de convivir en entornos controlados, sexual, libre, instintivo …La racionalidad que dan los años y los desengaños, contrasta con el mirar de una niña, que con su capacidad de belleza plástica logra captar la mejor versión del animal.

Participó de exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos e instituciones públicas y privadas. Obtuvo premios y participó de diferentes simposios y concursos.

Nació en Justiniano Posse, provincia de Córdoba, Argentina. Actualmente reside en la ciudad de Santa Rosa de Calamuchita, donde trabaja en su atelier. Expone su obra en galerías de arte, ferias y museos a nivel nacional e internacional y participa en Salones, donde su obra fue seleccionada con menciones y premios.
Observar, descubrir la belleza escondida detrás del aparente caos, crear frente a la tela en blanco un pequeño mundo ordenado, armónico, a través de la forma y el color, manifestar belleza, dar a luz un espacio para descansar la mente. Su trabajo se basa en la exploración del orden geométrico presente en las formas de la naturaleza y en las imágenes arquetípicas presentes en diferentes culturas y sus vínculos. "Mis obras se caracterizan por la presencia de símbolos universales y patrones geométricos que se repiten dando lugar a composiciones donde el ritmo es protagonista." Utiliza diferentes medios de expresión como el acrílico sobre tela, técnicas mixtas, collage con acuarelas, lápices de color y grafito.

Con formación en artes visuales y prácticas artísticas en la Universidad Nacional de Córdoba su práctica se centra, principalmente, en la pintura como campo de investigación visual. Trabaja con figuración que explora el paisaje mental, la disolución de la figura, lo híbrido y las tensiones entre presencia y ausencia, a través de procesos matéricos, veladuras y construcción atmosférica. Ha participado en muestras colectivas e individuales.
Su obra explora la idea de lo bestial desde una dimensión íntima y simbólica, sugiriendo una presencia inestable que habita el campo pictórico, manifestándose a través de lo atmosférico y de aquello que se resiste a una forma definida. Lo bestial se vincula con lo instintivo y lo orgánico, no como figura visible, sino como pulsión que atraviesa la imagen y la sitúa en un estado de transformación constante. La forma aparece y se disuelve, generando una tensión entre aparición y desvanecimiento que remite a una lógica más cercana a lo vital que a lo representativo. Desde esta perspectiva, el bestiario no se presenta como una entidad externa, sino como una condición sensible y mutable. La obra se construye como un umbral visual donde la imagen conserva una cualidad casi orgánica, desplazando la noción de criatura hacia una experiencia perceptiva y atmosférica.
El marco antiguo refuerza esta lectura al situar la pintura en una lógica de archivo o relicario visual. Más que un elemento ornamental, funciona como un dispositivo de contención que evoca los bestiarios históricos como espacios de registro de lo extraño, lo híbrido y lo indeterminado. En este sentido, la obra propone una relectura contemporánea de lo bestial como estado orgánico e inestable, donde la criatura no se fija en una forma concreta, sino que persiste como rastro sensible en la imagen.

Artista visual egresada de la Universidad Nacional de Córdoba, con especialización en escultura. Su producción se centra en lo textil y el dibujo, explorando representaciones de lo femenino y cuestionando la vida útil de las imágenes. Ha ganado premios además de haber sido seleccionada en otras convocatorias. Su práctica también involucra tareas de producción y montaje.
El crochet tiene tiempos propios, contrarios a los que imponen los ritmos actuales. Obliga a quien teje a vivir a destiempo, a tejer cuando no conviene. Te hace entregarte a la acción, seguir hasta que no pueda más el cuerpo. En mi caso, requiere llevarlo conmigo a todos lados... Vivo de manera muy similar, el duelo. Duermo con mi tapiz y con mi muerto en la cama, ambos inacabados. Despierto dura después de esquivarlos toda la noche y lo primero que hago es seguir construyéndose. Los dos son procesos que acaparan mi vida, así que les permití convivir en esta obra. Elegí esta imagen porque pensaba en la idea común de la oveja como símbolo de sacrificio. El cordero de Dios o el animal del matadero. La oveja sangra entregada.
Aca no. Echada, pero con la cabeza en alto. Aquí la oveja no sangra como se esperaría, sino el tapiz. Herido de muerte le chorrean elementos que ya no encuentran un sentido por fuera del proceso ¿Qué queda de una vida? Por lo general, lo que queda es muy banal. Puchos en el cenicero, tapas de cervezas que vieron un pronto fin. Me pregunto últimamente si no será cruel estirar la vida ajena más allá de su existencia.

Nació en Córdoba, Argentina en 1961. De joven se desempeñó como dibujante de planos de arquitectura e ingeniería civil, mientras trabajaba como diseñadora gráfica y redactora publicitaria. Descubrió su interés por la escultura, fabricó muñecos, títeres y marionetas. Su búsqueda de técnicas tradicionales la condujeron a experimentar con la fundición de metales, especialmente bronce y plata, a través de diferentes técnicas. Esto le permitió desempeñarse como restauradora de platería criolla, esculturas y joyas antiguas. También es profesora. Participa en exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. Su obra obtuvo distinciones en diferentes salones.
Trabajo con todo el cuerpo, todos los sentidos, y en ese contacto, se definen las formas y se clarifican los signos.

Artista visual y docente de Córdoba, nacida en 1971. Con una extensa trayectoria en la gestión y formación artística. Su práctica se desarrolla como un espacio de introspección y equilibrio frente a las demandas de la gestión y la vida contemporánea. A través de este proyecto, la artista investiga la
representación de los estados emocionales mediante el dibujo meditativo. Su obra propone un “detox mental" y una resistencia analógica, donde el trazo manual sobre el papel actúa como un anclaje vital frente a la saturación informativa actual. Con una mirada que integra la experiencia pedagógica y la exploración sensible, su trabajo busca cartografiar el ecosistema invisible del ser humano, reivindicando la intuición y el reposo activo como herramientas fundamentales para recuperar el eje en la era digital.

Nació en Córdoba Argentina en 1965, con formación en artes y pintura, docente en la Universidad Nacional de Córdoba. Realizó numerosas exposiciones en galerías y museos nacionales y extranjeros. Obtuvo premios en distintos salones.

Nació en Córdoba, 1988. Artista visual y docente, con formación en artes visuales y gestión cultural en la Universidad Provincial de Córdoba. Continuó su desarrollo artístico y montaje de exposiciones. Trabaja desde el realismo y el costumbrismo, con especial interés en la figura humana y la identidad cultural argentina, priorizando el pulido técnico y la precisión formal como rasgos distintivos de su obra. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas.
La obra presenta la imagen de una vaca reducida a escala bonsái, un organismo tradicionalmente asociado a la naturaleza, la producción de alimento y lo rural, intervenido hasta volverse una miniatura controlada. El bonsái, como práctica, implica dominar el crecimiento natural de un ser vivo mediante técnicas de poda, restricción y diseño. Trasladado a la figura de la vaca, un procedimiento simbólico que remite a una naturaleza condicionada por intereses humanos, donde el desarrollo biológico deja de responder a ciclos propios y pasa a obedecer a criterios de eficiencia, rendimiento y control. La vaca, históricamente emblema de alimento, sustento y economía primaria, aparece aquí transformada en un objeto casi ornamental. Su tamaño reducido sugiere una pérdida de escala ética: aquello que alimenta a millones se vuelve manipulable, ajustable, moldeable según las demandas del mercado y la tecnología. La obra plantea así una tensión entre lo natural y artificial, entre lo vivo y lo diseñado. En el contexto de los alimentos genéticamente modificados, la imagen invita a reflexionar sobre hasta qué punto la intervención científica, aun cuando promete soluciones productivas, puede derivar en una cosificación de la vida, donde los organismos son tratados como productos optimizables más que como sistemas complejos y autónomos.
La vaca bonsái no propone una condena directa ni una apología de la biotecnología, sino que opera como un dispositivo visual a la pregunta ¿qué sucede cuando la naturaleza es reducida, ajustada y rediseñada para encajar en modelos de consumo? ¿Cuál es el límite entre mejora, control y pérdida de lo esencial? Desde esta perspectiva, la obra se inscribe en una reflexión sobre el vínculo entre arte, ciencia y ética, utilizando la imagen del bonsái como símbolo de una naturaleza domesticada hasta el extremo, bella en su forma, pero inquietante en su significado.

Docente, con formación en grabado y artes visuales en la Universidad Nacional de Córdoba. Desarrolla su producción artística en muestras, salones y eventos nacionales e internacionales. Su obra está dentro de la categoría Libro de Artista, una forma y soporte de expresión dentro de la disciplina de la gráfica: una simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. Este carácter interdisciplinar, permite al Libro de Artista ser el medio de expresión de todos los movimientos del Arte Contemporáneo consiguiendo libertad creativa sin límites.
Este Libro de Artista está compuesto por 14 diseños en pequeño formato con Proverbios del Bestiario Expresionista que arman un mural. Estos refieren a sentencias populares o refranes que utilizan animales para transmitir una enseñanza moral o una verdad sobre la condición humana, pero filtradas a través de la visión distorsionada, crítica y emocional del Expresionismo. Este movimiento artístico busca la expresión de sentimientos y emociones más que la realidad objetiva, explorando lo grotesco y lo irracional para criticar la sociedad o la psicología humana. Cada imagen es una producción híbrida con mixturas y cruces de lenguajes formando un collage de la Enciclopedia junto a dibujos y frottages de matrices xilográficas de mi autoría, y la apropiación resignificada de imágenes del Bestiario Expresionista de Benoit Jacques.

De Córdoba, Argentina, con formación en pintura en la Universidad Nacional de Córdoba. Desarrolla la técnica de tinta china sobre papel para acuarela y trabaja con distintos métodos como plumín, pincel, mancha, collage, etc.
Imaginar a los pájaros es entrar en un mundo de gestos mínimos y repentinos: el ritmo de los saltos sobre la tierra, la quietud que precede al canto, la pausa compartida y, de pronto, el asombro del vuelo. La elección de la materialidad se vincula con el tema: por un lado el papel (papel Tyvek) calado permite un juego con los vacíos y las proyecciones de sombra sobre el espacio. En este sentido, se crea un espacio que va más allá de la bidimensionalidad y se emula un ritmo a través del recorrido de la luz natural y de sus respectivas sombras. Asimismo se trata de un material delicado como lo son las aves también. Lo sutil de su movimiento, de su aleteo, se traduce en el papel y sus calados.

Nacida en Córdoba hace 51 años, con formación en talla manual en mármol. Participa de forma continua en muestras colectivas, encuentros de escultura y simposios en la región. Esta obra explora un viaje continuo a través de los ciclos de la naturaleza, donde el tiempo geológico y el impulso vital coexisten. El recorrido nace en el agua —simbolizado en la base con forma de estrella marina—, transita la tierra siguiendo la línea en espiral de un caracol, y culmina en el aire a través de una cabeza de ave que mira al cielo. Una pieza en 360 grados que sugiere un organismo en estado de aparición, evocando el flujo perenne entre nacimiento, transformación y fin. Una forma en tensión entre lo mineral y lo vivo.

Trabaja en cerámica, un espacio donde se puede crear y dar forma a partir de la arcilla.
Se inspira en el arte, la música, el cine y la naturaleza, como fuentes constantes de ideas. Crea piezas simples, alegres…

Nació en 2000 en la ciudad de Córdoba. Le interesa el dibujo y lo gráfico, el grafito, la tinta, el claroscuro dramático y las atmósferas inquietantes. Con formación en artes visuales en la Universidad Nacional de Córdoba con especialidad en pintura.
Este proyecto se cuestiona ¿cómo reaccionamos a lo nunca antes visto? que da respuesta a una serie de dibujos encapsulados en un catálogo donde lo surreal se somete a una parodia de una visión científica y a sus reglas en un recorrido para la comprensión de qué es lo que estamos viendo, y por qué son necesarias este tipo de creaciones en el imaginario humano. Muchos dibujos se componen del análisis óseo-muscular- estructural de la combinación híbrida entre el animal y el humano, donde se resalta o trastoca un rasgo para generar una ironía donde ambos componentes se cruzan. A la manera de fábula, en el catálogo se expone un pequeño relato que realza la similitudes y diferencias entre nosotros y unas criaturas que solo existen en papel. Consta de láminas, acuarelas y dibujos a lápiz, de árboles filogenéticos donde se organizan entre si, en futuro hipotético donde uno de los pocos sobrevivientes es el ser humano y en base a ello, este se diferencia de sus pares y comienza a mutar, hasta volverse irreconocible. Esta ficción es posible por medios gráficos, por el simulacro de creer que son láminas y dibujos rescatados de un pasado lejano inspirado en la ciencia del siglo XVIII, parodiando su manera objetiva de verdad absoluta, utilizado para ampliar y mejorar el discurso de esta serie.

Nació en Buenos Aires en 1946, con formación en filosofía en la Bachelor of Arts, en fotografía en el Santa Monica Community College en California, y pintura en la Universidad Nacional de Córdoba. Ha participado en salones y muestras colectivas e individuales. Desde principio de siglo se dedica, principalmente, a la fotografía y el arte digital.

Reside en Córdoba desde finales de los ´70 y desarrolla su labor en Salsipuedes. Con formación en artes visuales en la Universidad Católica de La Plata, pintura y escultura en la Universidad Nacional de La Plata, además de pintura mural en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, España. Ha recibido premios y menciones por sus trabajos, realizó muestras nacionales e internacionales colectivas e individuales. Sus trabajos forman parte de colecciones privadas del país y del extranjero.
Su obra esboza manchas partiendo del azar, estimulada por las búsquedas. Cada obra es un desafío, un misterio a develar. Se sirve del color y el azar. Esta propuesta está inspirada en figuras zoomorfas, en esta obra representa a un roedor. Los roedores, como muchos animales, no solo son perseguidos por sus predadores, sino también por los humanos. Por eso es fundamental que sepan esconderse, quedarse quietos, pasar desapercibidos.

Nació en Córdoba en el año 1973, con formación en artes plásticas. Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas. Su obra forma parte de galerías de Córdoba.
After Fukushima nace a partir de un hecho real. En 2011 un terremoto de magnitud 9,0 se desató a 372 km de la ciudad de Tokio, Japón. El sismo provocó un tsunami con olas de 14 metros de altura arrasando varias ciudades costeras, entre las cuales se encontraba Fukushima, ciudad en la que se asienta un reactor nuclear. En un imaginario, esta obra representa un animal marino con rasgos deformes debido a mutaciones como consecuencia de la radiación nuclear.
Esta obra pictórica está representada formal y estéticamente mediante materiales contrastantes haciendo alusión a lo natural y artificial. Por un lado, la pintura al óleo en tonos amarillos representando la putrefacción del mar (radiación) y, por otro, la pintura asfáltica acentuando características industriales a través del proceso. After Fukushima es el “Retrato de una Catástrofe”.

Nació en 1980 en la ciudad de Córdoba, con formación en artes plásticas y escultura. Realizó clínicas de obra y participó en programas de formación en artes visuales, tomó talleres de escritura y poesía. Participa en exposiciones en el exterior. Su lenguaje plástico atravesó un periodo de transición el cual derivó en formas abstractas o nueva figuración. Actualmente su proceso creativo aborda-transita entre el dibujo, pintura, objetos escultóricos, instalación, fotografía, bordado y escritura explorando e investigando soportes y procesos experimentales.
Realizó muestras individuales y colectivas, sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas del pís y el exterior. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de Córdoba.
Este proyecto se inició con la reflexión sobre el propósito del animal y la propia conexión por fuera de todo concepto antropocentrista. Estamos compartiendo el mundo y, bajo esta premisa, entabla un nuevo lenguaje que influye directamente en la mirada sobre el mundo. Intenta explorar, emocional y filosóficamente, proponiendo que Zima, anatomía de lo incesante sea un punto de partida íntima que se expande hacia cuestiones universales. La cualidad espectral en donde la figura felina no solo otorga misterio sino también que dota de una carga simbólica a reflexionar sobre la existencia y el mundo interior. El proyecto en sí es un intento de acceder a una sensibilidad que el lenguaje humano a veces no alcanza a expresar. Su propósito es crear un espacio metafórico en donde el lenguaje visual se convierte en protagonista de la identidad compartida con otras especies.
Fomentar una conexión más profunda, amable y humilde con el mundo que nos rodea.

Artista plástico autodidacta que comenzó su camino plasmando arte sobre la piel, tatuando piezas con tanto detalle que sus obras son auténticos retratos hiperrealistas. Luego llevó su arte a la tela, trabajando primero con acrílicos y luego con técnicas más complejas como el óleo y la acuarela. Sus lienzos son composiciones vibrantes llenas de emociones y realismo, en ello se refleja su mirada del mundo que hace pensar, a quien lo mira, que forma parte de la obra. Otra de sus facetas artísticas son las esculturas en metal, obras realistas realizadas con hierro y piezas recicladas que destacan por su reflejo de lo cotidiano. Ha participado en varias exposiciones colectivas en Córdoba, obteniendo distintos premios y menciones.

Artista visual (ESBA) y gestión cultural (Universidad Provincial de Córdoba). Su práctica se sitúa en el cruce entre arte, territorio y comunidad, con especial interés en el muralismo, el patrimonio natural y los procesos colectivos de construcción simbólica. Realiza murales en localidades de la provincia, tanto de manera individual como colectiva, abordando temáticas vinculadas a la flora y fauna autóctonas, los derechos de las infancias, la memoria cultural y las identidades locales. Su producción articula paisaje, identidad y conciencia ambiental, entendiendo el espacio público como soporte de memoria y encuentro. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diversos espacios, participando en ferias y muestras. Su trabajo concibe el arte como práctica situada: una herramienta de intervención poética y política que activa vínculos, recupera memorias y reafirma el valor de lo propio.
Las piezas presentadas se inscriben en una búsqueda poética que vincula lo animal con lo vegetal, entendiendo la naturaleza como un sistema interdependiente donde cada forma de vida cumple un rol esencial. A partir de la cerámica, trabaja la representación de especies que, más allá de su materialidad, encarnan sentidos simbólicos y ecológicos.
La ballena, modelada en arcilla, remite tanto a su presencia imponente como a su función vital dentro de los ecosistemas marinos: su existencia contribuye a la regeneración de la vida oceánica, favoreciendo procesos que permiten la producción de oxígeno. En este sentido, la obra busca visibilizar una dimensión muchas veces invisible de la naturaleza, poniendo en valor aquello que sostiene la vida de manera silenciosa. Por su parte, la tortuga se presenta como un territorio vivo. Su caparazón, intervenido con musgo y pequeñas plantas, funciona como un ecosistema en sí mismo, evocando la idea de hábitat y refugio. Inspirada en imaginarios espirituales y narrativos —como la figura del animal guardián—, esta pieza recupera la noción de la tortuga como símbolo de paciencia, persistencia y equilibrio. Ambas obras dialogan desde una mirada que propone una relectura sensible de los vínculos que, muchas veces de manera imperceptible, sostienen las diversas formas de vida.

Nace en Córdoba, Argentina en 1960. Es artista plástica, docente y gestora cultural radicada en Unquillo. Se formó en dibujo y pintura en la Universidad Provincial de Córdoba, y educación visual y plástica en la Universidad Nacional de Córdoba. Cuenta con una extensa trayectoria en el ámbito educativo y artístico, combinando la docencia con la producción y la participación en proyectos culturales comunitarios. Ha coordinado talleres, intervenciones urbanas e integrando prácticas colectivas y territoriales. Su obra ha sido exhibida en numerosas muestras individuales y colectivas, incluyendo galerías, museos y espacios culturales. Su producción explora lo simbólico, lo emocional y lo imaginario, con un enfoque que vincula lo poético con lo cotidiano, y una fuerte impronta expresiva en torno a la figura, el color y la narrativa visual.
En Oaxaca, México, los alebrijes forman parte de las manifestaciones artísticas que invitan a descubrir un mundo donde lo real y lo imaginario se entrelazan. Estas figuras, que combinan animales con rasgos fantásticos —serpientes con alas, caballos con plumas o criaturas híbridas—, nacen de la tradición popular iniciada por Pedro Linares en 1936, a partir de una visión onírica que dio origen a este universo simbólico.

Artista cordobesa nacida en 1970, con formación en artes plásticas y pintura en la Universidad Provincial de Córdoba. Cuenta con una sostenida trayectoria, participando en exposiciones individuales y colectivas. Su producción ha sido exhibida en numerosas instituciones, galerías y museos. Integra el colectivo Convergentes, desarrollando una línea de trabajo colaborativa.
Esta obra nace como una relectura de una pintura anterior donde una presencia, a modo de un alter ego, comienza a insinuarse. Así, a modo de desprendimiento, el ser se independiza adquiriendo identidad propia. Su anatomía como en mutación, inestable y en aparente transformación, se entrelaza con huellas, transparencias y rastros gráficos que remiten a la memoria del territorio. No es un ser acabado, sino en constante devenir como el monte mismo: vulnerable y a la vez resistente. El personaje se configura como una presencia que más que inventada es develado, donde el dibujo surge a partir de un acto de escucha, como registro de algo que pide forma. Las sugerencias de movimiento que atraviesan la composición remiten a una doble dimensión: lo físico y lo simbólico. El cuerpo parece desplazarse, pero también sostiene una acción más amplia: custodiar, recorrer, vigilar, habitar. Entonces este ser se erige como un guardián que condensa una necesidad de protección, pero también de escucha. No impone nada, se mimetiza y se funde con aquello que resguarda. Es una presencia permeable que se deja atravesar por la naturaleza a la vez que se disuelve en el entorno. En este sentido, la obra también se inscribe en una preocupación concreta y situada: la progresiva desaparición del monte nativo en la provincia de Córdoba, producto del avance de prácticas extractivas, urbanizaciones y transformaciones del suelo. En ese espacio de vida que persiste en condiciones de fragilidad, la figura del animal–guardián adquiere una dimensión de urgencia en el cuidado y resistencia. Al mismo tiempo, su existencia nos interpela: no es únicamente protector del monte, sino también un llamado. Un llamado a pensar, a tomar conciencia. Y se constituye así en una conciencia encarnada que invita a asumir una responsabilidad activa en la preservación de lo nativo. Y en esa invitación también me anima, y me sostiene. Así, la obra se sitúa en un cruce entre lo personal y lo colectivo, entre la invención y la pertenencia. Este ser no solo habita la imagen, la atraviesa y la expande, proponiendo una forma de estar en el mundo.

Nació en 1966 en la localidad de Marull, Córdoba, cuenta con formación en artes visuales. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Vive y trabaja en Córdoba.
Esta obra es una araña que puede transformarse en mujer, para atraer, engañar y capturar a sus víctimas. El cuerpo femenino que deviene en araña, se presenta como una imagen donde lo humano y lo animal se entrelazan sin posibilidad de ordenar ni reconciliar en una forma estable o clara. Este proyecto parte de esa tensión: un cuerpo que teje, que atrapa, que seduce y devora, pero que también resiste las formas en que ha sido históricamente capturado por la mirada proponiendo, de esta manera, pensar el cuerpo como tejido: un entramado de memorias, violencias, deseos y resistencias. Así, cada hilo se vuelve una línea de tiempo, una cicatriz, una inscripción que permite abrir una reflexión sobre la construcción simbólica del cuerpo femenino como monstruo, pero también sobre su capacidad de subversión. Lo monstruoso aquí no es aquello que debe ser rechazado, sino aquello que irrumpe para desestabilizar las categorías que ordenan lo visible, convirtiéndose no solo en una criatura del imaginario sino, también, en una metáfora viva de los dispositivos que han configurado lo femenino como territorio de proyección, temor y control.
En la Jaramugo, el cuerpo ya no es límite sino expansión. Se multiplica, se despliega, se oculta y reaparece. Es en esa oscilación donde el proyecto encuentra su fuerza: en la posibilidad de hacer visible lo que ha sido negado, de tejer nuevas narrativas desde aquello que, durante siglos, fue reducido al silencio o al miedo. Porque quizás, en el fondo, toda red es también una forma de memoria, y todo cuerpo que teje, una forma de decir: aquí estuve, aquí estoy y aquí estaré.

Nació en Córdoba, en 1979. Artista visual que trabaja principalmente con pintura y dibujo. Su producción se centra en el paisaje como espacio de observación y construcción imaginaria, a través de óleos, acrílicos y dibujos en tinta, desarrollo escenas donde el entorno natural se transforma y comienza a incorporar presencias ficticias. Su formación se desarrolló entre la práctica autodidacta y talleres de pintura y dibujo, configurando un proceso sostenido de trabajo de taller. Actualmente continúa investigando la relación entre paisaje y ficción. Expuso en diferentes muestras individuales y colectivas.
En la obra interviene el collage de diferentes dibujos y pinturas que le permite generar una imagen donde interviene el azar. Las ballenas salen de un sueño que durante la vigilia intenta recordar, luego se integran al paisaje. Ese proceso derivó en algunas obras y hoy reaparecen en un contexto diferente. Así como el Godzilla de tradición japonesa aparece en momentos especiales y en esta obra ambos símbolos conviven en un escenario cambiante.

Nació en 1978 en Jacinto Arauz, La Pampa. Es artista visual cuya práctica se define por una búsqueda constante entre la técnica tradicional y la experimentación matérica. Radicado en la ciudad de Córdoba desde el año 2000, inició su vínculo con el dibujo y la pintura de manera autodidacta a temprana edad, desarrollando una sensibilidad particular hacia la figura humana. Su producción actual integra una profunda investigación sobre la materialidad y los procesos gráficos, abarcando desde el grabado y la exploración de texturas hasta la fabricación de sus propios soportes y pigmentos. En su obra, la línea y la composición simbólica actúan como puentes entre la intimidad del ser humano y el entorno natural. Su trayectoria incluye diversas exposiciones individuales y colectivas. Ha sido distinguido con importantes premios.
Esta pieza invita a reflexionar sobre las fronteras entre lo salvaje y lo doméstico, proponiendo que la identidad sea, en última instancia, una bitácora de encuentros y transformaciones. Como una experiencia de voyeurismo antropológico, donde la frontera entre lo doméstico y lo salvaje se disuelve en el despliegue de un papel que no termina sino que se ramifica. La obra se adentra en la disciplina del libro de artista bajo la modalidad de caja-objeto proponiendo una subversión del género histórico del bestiario. Esta pieza otorga una narrativa propia a la bestia, pues, la bestia deja de ser el observado y se convierte en el sujeto que observa, siente y registra su propia existencia.

Artista visual autodidacta radicada en Córdoba. Su práctica se desarrolla dentro de la figuración contemporánea, explorando la presencia humana desde una dimensión psicológica y emocional. Su trabajo investiga la transformación del cuerpo y su relación con el entorno, generando imágenes donde la figura se fragmenta, se mezcla con el espacio y se desplaza entre lo figurativo y lo abstracto. Trabaja con capas de pintura, superposición de imágenes y marcas visibles del proceso, entendiendo la pintura como un campo de experimentación donde conviven materia, memoria y transformación. Sus obras abordan temas como identidad, fragilidad del cuerpo, vida interior y tensiones entre lo orgánico y lo estructurado.

Nació en General Deheza y actualmente reside en la ciudad de Córdoba, con formación en artes visuales. Actualmente su producción artística se centra en la pintura, principalmente, al óleo. Sin embargo, su búsqueda radica en adquirir aprendizajes de diferentes fuentes y estilos.

De estilo ecléctico, pinta con hilos, lanas y fibras textiles. Trabaja con tapices y obras bordadas. De la mezcla de hebras surgen colores muy diferentes y vivaces. Adquirió conocimientos del tapiz en la Escuela/taller La Rueca y lo ha fusionado con metales y soldaduras. Especialmente le atrae el cubismo, figuras geométricas, abstracciones, paisajes y ambientes domésticos. Presentó obras en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales.
Este proyecto está representado por bordados trabajados sobre recortes de telas barracán y picote, recuperados de talleres de costura que fueron tejiendo a telar y con lanas de oveja, artesanas del norte del país. La forma es de un prisma triangular y al decir de Johannes Itten (Bauhaus), el triángulo remite al mundo de la lógica, de la concentración, de la luz y del fuego. Y por qué estaría aquí la concentración? Por incluir un grupo de seres, la luz: sin ellos, no existiría el mundo como tal y del fuego porque cada uno aporta su energía vital para completar el todo.

Arquitecto de formación en la Universidad Nacional de Córdoba, especialista en prácticas de Arte Contemporáneo. Ha realizado clínicas de arte, talleres de escultura y de pintura. Actualmente, dicta y coordina su taller de plástica y estudio de arquitectura. Recibió numerosos premios.
La obra trata de una símil réplica de la figura de un felino precolombino, en este caso, metamorfoseado y contaminado por un personaje simbólico de la transculturación global. Este trabajo pertenece a una serie de dibujos y objetos.

Nacido en la ciudad de Córdoba, Argentina. Aficionado del dibujo desde niño, acostumbra usar lápices o marcadores de alcohol en tonos grises y negros. Sus dibujos comienzan con la admiración y la curiosidad que le genera el mundo animal, la inspiración la encuentra en documentales de vida salvaje, canales de fotografía o artículos de divulgación científica.
Eclyse nace en una granja de Italia, fruto de un “romance accidental” entre un caballo pinto y una cebra. Aunque existen muchos casos de híbridos entre estas dos especies, la mayoría presenta rayas a lo largo de casi todo el cuerpo y un pelaje más bien marrón. A diferencia de ellos, Eclyse posee un patrón único: una especie de “parches de cebra”, con rayas concentradas en su cabeza y en un cuarto trasero, mientras que el resto de su cuerpo es completamente blanco.

Nacida en Córdoba, en 1975, desde niña se interesó por diferentes manifestaciones plásticas. Incursionó en talleres de acuarela y escultura. Con formación en artes visuales en la Universidad Provincial de Córdoba. Actualmente algunas de sus obras forman parte de colecciones privadas. Ha participado en muestras colectivas.
El Negrito presenta un retrato frontal que establece un vínculo directo con el espectador a través de la mirada. La figura del perro, tratada con realismo y sensibilidad, trasciende lo anecdótico para convertirse en símbolo de lealtad, presencia y afecto. El contraste entre el cuerpo oscuro y el fondo cálido, junto al rótulo luminoso que nombra la obra, refuerza su identidad y dignidad, invitando a una reflexión sobre el lazo profundo entre humanos y animales.

Nació en Córdoba, Argentina. Desde su infancia, las huellas del campo, las corrientes jesuíticas y las raíces prehispánicas —el rumor del viento entre los árboles, la calma de la tierra labrada, las imágenes sagradas que habitan las capillas del interior—, conformaron un paisaje interior que aún hoy alimenta su obra. Formada en grabado y escultura en la Universidad Provincial de Córdoba. Su trabajo surge de una búsqueda silenciosa, un intento por dar forma visible a aquello que no tiene nombre: el soplo de lo sagrado en lo humano, el pulso de la naturaleza en la materia. En sus esculturas y pinturas, construye un territorio de contemplación donde el cuerpo y el espíritu dialogan. Las figuras que habitan su universo —humano, animal, vegetal— parecen suspendidas en un tiempo propio, detenidas en un instante de serenidad que invita al recogimiento. Los ojos cerrados de sus personajes, las ramas, los pájaros, el viento y las hojas son símbolos de un tránsito entre mundos: el tangible y el invisible.
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas tanto en Argentina como en el exterior. Su obra se sostiene en la convicción de que la belleza puede ser una forma de oración. A través de la materia —la madera, el color, la textura— busca restablecer un vínculo con lo sagrado que habita en la naturaleza y en la interioridad humana, allí donde el silencio se vuelve lenguaje y lo etéreo toma cuerpo. El viento, las hojas y el movimiento sutil de lo etéreo son parte esencial de su lenguaje visual: representan aquello que no es humano, lo intangible, lo más grande que nos atraviesa y transforma. Estos elementos dialogan con símbolos ancestrales y coloniales que aparecen como resonancias históricas y culturales, pero reinterpretados desde una sensibilidad contemporánea. Busca que cada pieza convoque en el espectador una experiencia espiritual, una pausa, un reconocimiento de lo sagrado en lo cotidiano.

Aficionado al dibujo y arquitecto, vive en la ciudad de Córdoba. Autodidacta, ha encontrado su estilo a través del descubrimiento y la observación. Su trabajo se basa en la exploración de ideas que surgen de la combinación de distintos universos: máquinas, insectos, elementos mitológicos, la naturaleza, las antigüedades y las leyendas integrados de maneras impredecibles y singulares, con una estética propia.
Esta criatura surge de la reinterpretación y el rediseño de un hipocampo gigante. Su estructura está envuelta en un exoesqueleto biomecánico articulado, compuesto por piezas que se ensamblan siguiendo una lógica casi orgánica. La figura reposa inmóvil sobre una pradera abierta, evocando un barrilete anclado al paisaje. En esa quietud, fusiona lo natural y lo artificial en una presencia tan extraña como monumental por su escala.

Nació en Córdoba, Argentina, en 1960. Artista visual y docente dedicada, principalmente, a la escultura y a la producción plástica contemporánea. Se formó en talleres de cerámica y artes plásticas en la Universidad Provincial de Córdoba. Su arte se vincula con la experimentación tridimensional con distintos tipos de materiales. Ha expuesto su obra en centros culturales y galerías de arte a nivel nacional y provincial. Desarrollando una producción sostenible, vinculada con sus raíces y costumbres.

De formación en artes plásticas en la Universidad Provincial de Córdoba, desarrolla una propuesta estética centrada en la pintura ensamblada. Su proceso consiste en un ritual de creación, deconstrucción y reensamblaje, donde el acto de pintar, romper y rasgar da lugar a nuevas unidades visuales. Esta metodología se originó durante su residencia de arte en Francia, como una respuesta técnica a la fragilidad del material y la necesidad de resignificar el fragmento. Se destaca su labor también como ilustradora. Sus trabajos integran colecciones de organismos internacionales y privados.
Esta obra es el primer ejemplar de una serie de seres imaginarios que fusionan reinos diversos: lo mineral, lo animal, lo marino, lo vegetal y lo mecánico. En esta obra el personaje funciona como un soporte para explorar cómo se integran elementos que, en apariencia, son opuestos: la naturaleza en todas sus formas y la tecnología. Esta combinación da lugar a un híbrido que parece haber incorporado engranajes o estructuras artificiales a su propia biología para subsistir en un ecosistema diverso. En Dracolazuli, el ensamble es la clave del relato. Cada retazo de papel y cada línea estructural han sido unidos en un ritual de reconstrucción. No es un ser estático, sino un organismo que parece estar en pleno proceso de transformación. Al observar sus uniones y sus texturas, la obra nos habla de la capacidad de adaptación: cómo a partir de fragmentos y materiales diversos se puede generar una unidad nueva y con identidad propia.

Nace en la ciudad de Alta Gracia, Córdoba Argentina. Con formación en pintura y dibujo en la Universidad Nacional de Córdoba. Participó de numerosas muestras individuales
Esta obra representa una transformación en la vida del artista, convirtiéndose en familia y guardiana de sus recuerdos más felices.

Artista visual argentina emergente, nacida y residente en la ciudad de Córdoba. Inició su recorrido artístico a través de la pintura de animales, explorando desde el realismo la expresión, la fuerza simbólica y el vínculo emocional con la imagen. Con el tiempo, su obra se expandió hacia el realismo contemporáneo y el arte pop, incorporando personajes icónicos como eje central de su producción.
A través de estas figuras reconocibles, propone una relectura personal y actualizada, construyendo nuevas narrativas visuales que funcionan como homenaje y reflexión sobre la identidad, el valor simbólico y la cultura contemporánea. Su trabajo establece un diálogo entre lo clásico y lo actual, combinando precisión técnica y sensibilidad expresiva. Trabaja principalmente con óleo sobre lienzo, utilizando acrílico en los fondos para generar atmósferas y contrastes que refuerzan la presencia de la figura principal. Ha participado en exposiciones colectivas.
La obra representa a un carpincho, retratado desde un lenguaje realista y humanizado. La figura aparece tomando mate, gesto identitario y colectivo que remite a la pertenencia, la cercanía y los rituales compartidos. El personaje viste una remera de El Eternauta, ícono fundamental de la historieta nacional, recientemente resignificado a partir de su adaptación audiovisual, reforzando el diálogo entre memoria cultural y presente.

Nació en Buenos Aires en 1947 y desde el ´80 reside en Córdoba. Expone individual y colectivamente en Argentina y en el exterior. Sus obras forman parte de colecciones privadas y públicas.
Esta obra forma parte del proyecto “Chaco” (2003 / 2018) conformada por un conjunto de más de 70 piezas entre carbones, grafitos y tiza sobre papel, lienzo y madera. Este proyecto busca y crea una poética visual apelando a diversas técnicas y lenguajes del dibujo llevando, al campo visual una construcción simbólica del contexto geográfico, étnico y cultural como es el Chaco Salteño. Misterios del Bermejo, es una recreación visual de relatos orales; una forma de trasladar al dibujo expresiones genuinas de la cultura intangible que circulan en la oralidad popular. El relato de un pescador en su embarcación a orillas del Bermejo, fue algo más que una confesión, la idea, el deseo de nadar con su amada en una noche tórrida convertidos en peces. Estaba unido a la memoria de algún relato legendario.
Para el caso me propuse buscar un correlato entre lenguaje y representación, sentido crítico del objeto en cuestión y una materialidad propia del universo de su origen. Así, aprovechando la nocturnidad proporcionada por el soporte negro pizarrón imaginé al pescador y su amada nadando en una noche de juegos y pasión con sus manos como colas, lejos de la rutina de redes de chaguar y el cansancio vespertino.

Nacido en la ciudad de Córdoba con conocimientos en geología y paleontología e ilustración científica, campo en el que trabaja en la Universidad Nacional de Córdoba. Docente, posee también formación en artes visuales y grabado. Participa en actividades internacionales para fundaciones y organizaciones no gubernamentales. Expuso en numerosas instancias relacionadas al mundo de la ciencia en congresos y museos

La obra nace de la imagen visual de un tigre inmóvil en la jungla, en ese instante suspendido entre el reposo y la acción. Eligió el verde, con sus múltiples tonos y texturas, para reflejar su hábitat vivo, no un decorado sin presencia; es la vegetación que oculta y a la vez revela. El punto de apertura blanco en el centro superior entre el verde y ocre —una forma animal indefinida— es quizás el elemento más inquietante de la obra: las fauces abiertas de una criatura más pequeña, atrapada o alerta, que introduce en la composición la dimensión de algo que es acechado y a la vez acecha.
Pintar con óleo es también una forma de acecho: de esperar que cada capa seque, de volver sobre lo hecho, de reconocer en la acumulación de materia una figura, una tensión, una insinuación. Acecho propone que lo bestial no necesita ser literal para ser reconocido. El instinto, el sigilo, la coexistencia entre predador y presa viven en la forma, el color y la materia misma de la pintura.

Nació en Córdoba, docente. Trabaja la cerámica y, a través de este material, explora las distintas posibilidades donde el juego es parte de su proceso creativo. La obra explora la máscara como un modo de búsqueda hacia el interior humano. La máscara animal permite al portador "liberarse", encontrarse con lo instintivo, lo salvaje, lo no permitido y funciona, también, como una manera de ocultarse, de esconder nuestros deseos y vulnerabilidades.

Trabaja en cerámica, pintura y arquitectura. Realizó proyectos educativos y talleres de arte más actividades colectivas. Formó parte de diferentes muestras colectivas. Hilos enredados, desenredados; bordar los límites; bordar interiores oscuros, luminosos; bordar sin límites precisos; bordar sin mudanzas, el ir y venir; borrar hasta el borde.

A través del lenguaje de la ilustración trabajó en la representación de figuras de animales humanizados en contextos de la vida cotidiana que muchos han vivido como padres. La ternura y la fantasía describen una atmósfera onírica propia del universo infantil.

Ilustrador nacido en Buenos Aires, Argentina, 1973. Vive en Valle de Punilla, Córdoba, Argentina. Con formación universitaria en arquitectura y en artes plásticas y grabado, formó parte de numerosas exposiciones. Se profesionalizó en ilustración editorial de libros para niños y jóvenes en México. Participó en talleres y cursos impartidos por reconocidos ilustradores. Ha colaborado con numerosas editoriales nacionales e internacionales. Fue seleccionado como ilustrador finalista en la Feria del Libro de Bolonia y recibió diferentes premios internacionales.
Trabaja el teriomorfismo fusionando humanos con animales, sus virtudes como seres vivos. Todo a modo de evolución desde lo más primitivo y necesario, sus fortalezas y todo lo innecesario que deberíamos dejar como humanos para parecernos, evolucionar. Esta obra propone un puente entre la arquitectura y la libertad metafísica del arte visual, no es solo una representación estética y simbólica, sino un ejercicio de morfología y evolución. Esta pieza, que se sitúa como uno de los pilares fundacionales de su serie homónima, propone una atmósfera de corte surrealista donde la temporalidad parece suspendida. A través de una técnica mixta de aguadas sobre bastidor de madera, la obra explora la vigencia del mito de Ícaro, traduciendo la leyenda clásica a un lenguaje visual contemporáneo que busca capturar una atemporalidad universal. Desde una perspectiva iconográfica, la obra funciona como una metáfora crítica del ascenso y la caída. Se manifiesta así una contradicción existencial: el esfuerzo por hallar un punto medio para no arder ante la ambición de un vuelo extremo, ni sucumbir al hundimiento por el peso de lo material. En definitiva, la pieza captura ese instante crítico donde el ser intenta navegar su propia naturaleza, atrapado entre la aspiración espiritual y la densidad de las estructuras que él mismo ha construido.

Artista autodidacta nacido en Córdoba. Utiliza la soldadura en hierro y alambre de cerco para realizar obras que están relacionadas con aves, principalmente de Argentina y las sierras de Córdoba. Mientras el mundo digital es fluido, la soldadura se impone como resistencia física que libera la mente; es una creatividad mediada por la fuerza de materiales duraderos. Su producción no persigue un fin comercial, sino una integración con el paisaje.
Esta pieza representa a una de las rapaces más características de las sierras cordobesas en actitud de vigilia. A través de la superposición de tramos de alambre de cerco, la obra busca transformar la dureza industrial del hierro en la textura orgánica y dinámica del plumaje, explorando el equilibrio entre el peso del material y la ligereza visual del ave. La obra nace al pie de la Quebrada del Condorito, en San Clemente, en las Sierras Grandes de Córdoba , donde la presencia de grandes aves autóctonas despertó una búsqueda estética particular: representar la liviandad del plumaje a través de la rigidez del hierro.

Artista plástica y profesora de la Universidad Nacional de Córdoba, con formación en cerámica (UPC). Su obra se desarrolla en el cruce entre arte, comunidad y educación. Comenzó con procesos comunitarios en sectores populares, donde el mural y el juego aparecen como formas de creación colectiva y expresión de lo social. Trabaja con materiales accesibles junto a la pintura, la cerámica y el mosaico modelado, entendidos como lenguajes simbólicos. Su producción se inscribe en prácticas post- disciplinarias y de estética relacional: murales, instalaciones, performance, esculturas, objetos y mosaicos.
Esta obra pone en diálogo lo contemporáneo y lo ancestral, es un homenaje a las gallinas; animales que nos nutren con el fruto de su ovulación y a la vez una exhortación al cuidado de esta especie, mayormente criada en sistemas de cautiverio que priorizan la productividad por sobre su bienestar impidiéndoles desplegar sus comportamientos naturales. La pieza dialoga con las urnas de la cultura Sunchituyoc (700 al 1400 después de Cisto., Santiago del Estero), utilizadas en entierros secundarios, donde los orificios se asocian a prácticas rituales o técnicas de cocción.

Nació en la ciudad de Córdoba, Argentina en 1969. Con formación en diseño. Autodidacta en el arte del tatuaje, con aprendizaje en dibujo y pintura. Participó en multitudes de convenciones internacionales de tatuaje. Continúa su formación artística en distintos talleres. Participó en varias exposiciones grupales.
Esta obra es parte de una serie de pinturas llamada “Seres” que parten del subconsciente hace tiempo constituyendo su bestiario personal. Este bestiario surge de la curiosidad e interés por el universo, los planetas y los seres vivos. Estos seres, bestias fantásticas, inusuales y muy singulares, emergen desde el subconsciente sin que sea necesario forzarlos. En esta obra la búsqueda es el equilibrio entre la figura, el fondo, la dinámica y la quietud, la simpleza y la complejidad. Las imágenes surgen de la combinación de dos lenguajes, la pintura y el collage, partiendo de mis propios papeles pintados.

Nació en la ciudad de Córdoba en 1963. Con formación en dibujo y pintura en la Universidad Provincial de Córdoba, su búsqueda es hacia el Surrealismo Mágico. Participó en numerosos salones y muestras colectivas. Obtuvo reconocimientos y premios nacionales.
Su obra es un animal semiacuático, depredador y carroñero, perteneciente a la raza Holus del planeta PIXXIS. Este planeta, ubicado fuera del sistema solar, su hábitat se caracteriza por una alta humedad constante, lluvias continuas, abundante vegetación, especialmente hongos, y una inmensa variedad de vida animal. Este animal destaca por su gran velocidad y su peculiar anatomía: posee cuatro ojos, dos en la parte superior de la cabeza, que no requieren mirar hacia arriba, y otros dos ubicados a los costados. Además, cuenta con cuernos que se asemejan a ramas, los cuales funcionan como sensores. En la adultez, puede alcanzar una altura de hasta 1,60 metros. Su piel está cubierta por un pelaje semiacuático denso e impermeable, que lo protege del agua. La esperanza de vida de la Criatura Holus es de entre 30 y 40 años.

Artista visual y docente, formado como profesor de artes visuales y grabado en las Universidades Provincial y Nacional de Córdoba. Se desempeña como docente. En el campo artístico, desarrolla una producción centrada en el grabado y la gráfica contemporánea y tradicional. Participa en exposiciones individuales y colectivas de manera continua. Su trabajo ha sido reconocido en diferentes concursos.

Esta obra presenta una escena suspendida: una caja-trampa que contiene en su interior a un animal desconocido, denominado “X”. La pieza se construye a partir de la lógica de los objetos encontrados: una caja y un palo en forma de horqueta atado a un hilo. La bestia “X” nunca se muestra completamente. Solo se manifiesta de manera fragmentaria: una cola y unos ojos. Los colores —rosados, fucsias, cian y violetas— están dispuestos estratégicamente para construir la apariencia de un ser desconocido. Estos elementos emergen de la caja: la cola escapa por debajo y los ojos brillantes se asoman por pequeñas aberturas circulares. Esta aparición parcial construye una presencia ambigua, donde lo monstruoso y lo tierno conviven. La imposibilidad de ver el cuerpo completo activa la imaginación del espectador, que proyecta sobre la bestia sus propios miedos, prejuicios o afectos. La trampa: una rama con forma de horqueta y un sistema de tensión simple, sugiere una acción previa: alguien la activó, alguien estuvo a la espera. Estos elementos que componen la obra le dan carácter de instalación y pueden ser colocados de muchas formas ajustando el tamaño de la obra al espacio instalativo.
La obra reflexiona sobre los mecanismos de control y clasificación frente a aquello que no comprendemos. La bestia X, en su carácter indefinido y fantasioso, encarna lo otro: lo ajeno, lo inclasificable, lo potencialmente amenazante o fascinante. La etiqueta “FRÁGIL”, repetida sobre la superficie de la caja, puede leerse tanto como advertencia hacia el contenido como también hacia la estructura de la caja que nos separa de un inminente peligro.

La singularidad del proyecto radica en su interés por revisitar mitos, leyendas y figuras del imaginario cultural desde una perspectiva no localizada, sino abierta a una dimensión más amplia y universal. En este sentido, LEVIATAN I se inscribe en la construcción de una posible zoología imaginaria, donde emergen entidades híbridas y presencias ambiguas que oscilan entre lo humano, lo animal y lo monstruoso. El Leviatán no aparece aquí como figura ilustrativa, sino como principio generador: una matriz simbólica desde la cual se despliegan nuevas corporalidades posibles.
La elección de la papiroflexia como técnica introduce una lógica de repetición, pliegue y acumulación que configura un cuerpo orgánico, en tensión constante entre lo estructural y lo sensible. El uso del papel negro potencia la relación con lo nocturno, entendido no solo como oscuridad sino como espacio de origen, donde lo informe comienza a adquirir forma. En esta instalación, la escala y la materialidad construyen una experiencia perceptiva que desborda lo objetual. La obra se presenta como un organismo en expansión, una presencia que habita el espacio y lo transforma. Así, lo monstruoso deja de ser una anomalía para constituirse como lenguaje, habilitando la aparición de nuevas formas de imaginar lo viviente.

Angeline Cuvertino es artista origamista oriunda del Valle de Traslasierra, Córdoba. Se desempeña como docente en la Universidad Nacional de Córdoba, donde dicta cursos vinculados a la técnica y a sus fundamentos. Su práctica pedagógica se articula con una participación activa en convenciones y encuentros especializados, tanto a nivel nacional como internacional, donde interviene como docente y expositora. Fue convocada como docente a la Primera Convención Origami USA, consolidando su inserción en el circuito internacional. Paralelamente, desarrolla una fuerte presencia en plataformas digitales, orientada a la divulgación de contenidos educativos y artísticos, ampliando el alcance del origami como práctica contemporánea.
Paloma Heredia es artista visual, egresada de arquitectura de la Universidad Nacional de Córdoba, con formación en gestión cultural de la Universidad Nacional de Mar del Plata. Ha participado en diversas muestras colectivas; es cofundadora de Blur Estudio, un espacio interdisciplinar de investigación y producción que articula arte, arquitectura y pensamiento situado en el sur de Argentina. Su práctica se sitúa en los cruces entre arte, paisaje y memoria cultural, explorando imaginarios simbólicos vinculados al territorio.
María Valeria Nieva es ingeniera química y artista origamista. Desarrolla su práctica sostenida en el campo del origami, explorando sus posibilidades tanto técnicas como expresivas. Su trabajo se sitúa en la intersección entre arte, ciencia y estructura, tomando como eje la relación entre geometría, matemática y materia. A lo largo de su trayectoria ha participado en numerosas convenciones y encuentros especializados, formando parte activa de la comunidad origamista. Su producción se caracteriza por el uso del papel como material estructural, abordado desde una lógica casi molecular: cada pliegue funciona como unidad mínima que, en repetición y sistema, da lugar a configuraciones complejas. En este sentido, su obra no solo responde a una búsqueda estética, sino también a un interés por los procesos de generación de la forma, donde lo técnico y lo sensible se entrelazan.

Colectivo de artistas visuales radicados en Córdoba Capital, conformada por egresados de la Universidad Nacional de Córdoba. Su labor se centra en la creación de objetos cerámicos, la producción artística, y la investigación de materiales de nuestro entorno explorando el vínculo entre el quehacer artesanal y la identidad territorial.
La obra emerge de una amalgama entre la tradición folclórica andina y una sensibilidad contemporánea sobre lo orgánico, lo inacabado y el hallazgo fortuito. Su génesis no parte de una planificación deliberada, sino de un ejercicio de observación casi lúdico sobre la materia en estado de transición: los restos de coladas de barbotina apilados en un recipiente del taller para su reciclaje. En ese conglomerado de láminas y sedimentos, el "ojo ávido" —bajo una lógica similar a la de quien encuentra figuras en las nubes— descubrió una fisonomía latente. Esa reacción instintiva que identificó al "Oruro" en un cúmulo de desechos, disparó el proceso creativo. Así, la pieza se convierte en un testimonio del rescate material y simbólico, donde la forma no es impuesta, sino "revelada" desde las entrañas del proceso cerámico.